Sébastien Le Prestre, marquis de Vauban (1^er mai 1633 – 30 mars 1707) est un ingénieur, architecte militaire, urbaniste, ingénieur hydraulicien et essayiste français. Il est nommé maréchal de France par Louis XIV.

L’œuvre de Vauban est monumentale car il a conçu et suivi la réalisation de plus de 150 places fortes ainsi que de nombreux ouvrages civils en France. Douze sites, qui ont bénéficié de leur inscription de l’œuvre remarquable de Vauban sur la liste du patrimoine mondial de l’UNESCO permettent d’en fournir une analyse scientifique en croisant plusieurs critères typologiques.

Voici de nombreux exemples de fortifications célèbres de Vauban en France :

Citadelle de Lille.

Citadelle d’Arras.

https://learningapps.org/4653662

   Tout savoir sur la porte de Paris..

  Cet Arc de Triomphe a été édifiée de 1685 à 1692 pour célébrer la prise de la ville par Louis XIV en 1667. Le 28 aout 1667, après un siège de 10 jours, Louis XIV entre dans la ville par cette porte et reçoit du « Magistrat de Lille» les clefs de la cité. Un an plus tard, au traité d’Aix-la-chapelle, Lille devient française.                                                                                                                    

                             Louis XIV témoigne un certain intérêt pour la ville et commande à l’architecte Simon volant la construction de la porte de Paris pour remplacer la porte des malades. Elle est édifiée de 1685 à1692, en mémoire du rattachement de Lille à la France. Il remplace l’ancienne porte des malades, de construction plus modeste, qui s’intégrait déjà dans l’enceinte depuis le Moyen Age. L’ingénieur, chargé de la construction de la nouvelle porte, Simon Volant, s’était déjà distingué aux côtés de Vauban lors de la construction de la Citadelle de Lille. Pour la petite histoire…

En août 1667, le roi Soleil entre triomphant dans Lille après le siège de la ville, par une porte appelée alors Porte des Malades… la future porte de Paris ! Une fois maître de la ville, donc, le roi fait appel à Louvois, Vauban et à l’architecte local Volant pour construire une citadelle ainsi qu’un tout nouveau quartier. En 1685, on avait pensé à élever une statue équestre du souverain et de gigantesques fontaines sur la Grande Place, mais les projets n’aboutirent jamais. On y voit les sculptures des armes de Lille, représentée par un lis, et de la France représentée par trois lis. Au sommet, la Victoire couronnant Louis XIV.

Sa structure comporte deux façades différentes, l’entrée et la sortie de la ville.Un couloir voûté au niveau du rez-de-chaussée de la porte avec son pont-levis permettait l’accès en ville du temps des fortifications.

En façade, en entrant dans la ville, l’arc apparaît composé de trois parties : une partie centrale et deux ailes ornées chacune par une figure mythologique encadrée par deux colonnes de style dorique.

La massivité de cette porte évoque la rigueur militaire. Cet aspect est dû notamment la faible taille de l’ouverture de la porte à laquelle on accède par le pont-levis, l’ensemble jouant encore à l’époque un rôle défensif, ce qui le fait considérer comme « l’un des derniers chefs d’œuvre de l’histoire militaire »³.En partie centrale, au-dessus du couloir voûté, on peut observer les armoiries sculptées de la ville de Lille et juste au-dessus l’écusson royal ; mais 32 mètres plus haut, les figures baroques de son faîte dont deux anges, deux allégories de la « Renommée » sonnant la victoire de Louis XIV suggèrent les fastes de la cour. Au centre du faîte, l’allégorie de la « Victoire » est représentée au milieu de drapeaux, son bras droit levé, prêt à déposer une couronne sur la tête du Roi Soleil, Louis XIV.À gauche de la partie centrale, est représenté Mars, le dieu de la guerre ; à droite, Hercule, symbole de force.La porte de Paris est entourée d’un parapet en pierre sur lequel sont serties des grenades (ou bombes) en fonte depuis 1895 selon les photographies d’époque.

Le temps et le vandalisme ont fortement détérioré ces décorations guerrières. Dans le cadre de la restauration de la porte engagée pour l’opération « Lille 2004 (capitale européenne de la culture) », la restauration des Grenades est confiée au département de Fonderie de l’École des Arts et Métiers ParisTech, spécialiste de la fonte d’art.

https://learningapps.org/display?v=px8zqiw0318

https://learningapps.org/display?v=pyn4tme6t18

La guerre de dévolution se déroule de 1667 à 1668. c’est la première guerre de Louis XIV. Pour pouvoir récupérer les pays-bas espagnols (Lille, Valenciennes, Cambrai, Maubeuge…), Louis XIV se sert des droits d’héritages de sa femme, Marie-Thérèse d’Autriche, fille aînée du roi d’Espagne Phillippe IV mais le nouveau roi d’Espagne Charles II, lui refuse. C’est à cause de cet événement que la guerre de dévolution à débutée.

Il y a eu un événement important durant cette guerre : le bombardement de Bruxelles en 1695.

Une fois la guerre finie, l’Espagne est beaucoup blâmée d’avoir rendue à la France les places importantes comme Maubeuge, Valenciennes ou encore Saint-Omer. La France, elle, rend la Franche-Comté à l’Espagne.

LA MUSIQUE BAROQUE EN

FRANCE ET EN BELGIQUE

Le Baroque s’étend conventionnellement de 1600 à 1750 environ, il correspond à une période de production musicale intense en France et en Belgique. La musique baroque a participé au rayonnement culturel de la France et de la Belgique, au même titre que d’autres disciplines artistiques.

Les courants de la musique Baroque :

• L’air de cour
• La suite
• Le ballet de cour
• L’opéra

Deux compositeurs marquants de l’époque Baroque :

-François Couperin (1668-1733)

Compositeur de Suite à la cour de Louis XIX et Louis XV à Versailles.

-Jean-Philippe Rameau (1683-1764)

Compositeur d’Opéra à l’époque des Lumières.

La peinture baroque flamande est la peinture produite dans les Pays-Bas méridionaux pendant la domination espagnole aux XVIe et XVIIe siècles (la période commence environ quand les Provinces-Unies  sont séparées des régions de l’Espagne des Habsbourg lors de la reconquête d’Anvers en 1585 et termine jusqu’aux alentours de l’an 1700, quand la domination Habsbourg disparaît avec la mort de Charles II D’Espagne).

Anvers, foyer des célèbres artistes Pierre Paul Rubans, Antoine van Dyck et Jacob Jordaens, est le centre artistique des Flandres, tandis que Bruxelles et Gand ont également un rôle artistique important.

Rubens,(1577-1640) en particulier, a eu une très forte influence sur la culture visuelle du XVIIe siècle. Il a produit une œuvre considérable dans des genres divers, mais il réalise surtout de grands projets religieux, des peintures mythologiques, et d’importantes séries de peintures historiques.

Ses innovations ont aidé à forger Anvers comme l’une des places fortes de l’art européen, en particulier pour l’imagerie de la Contre-Réforme. Son étudiant van Dyck a eu un rôle important dans l’établissement de nouvelles directions dans l’art du portrait britannique. D’autres développements dans la peinture baroque flamande sont similaires à ceux trouvés dans l’Âge d’or de la peinture néerlandaise avec des artistes spécialisés dans des genres aussi divers que la peinture d’histoire, le portrait, la peinture de genre, la peinture de paysage et dans la nature morte.

La Fête de Vénus, 1637,  Pierre Paul Rubens, Kunsthistorisches Museum

 

La Descente de croix est un tableau, peint vers 1616-1617 par Pierre Paul Rubens

Dans le musée de Lille

Lorsqu’il peint cette Descente de Croix en 1616 pour la chapelle du couvent des Capucins de Lille, Pierre Paul Rubens est un artiste célèbre. Il est, depuis 1609, le peintre officiel de la Cour de l’archiduc d’Autriche, Albert, qui a reçu les Pays-Bas en dot lors de son mariage avec l’infante Isabelle d’Espagne. Il vit à Anvers où il a fait construire un palais (aujourd’hui appelé le Rubenshuis – la maison de Rubens) sur le modèle des palazzi italiens de la Renaissance, et dans lequel il a installé son atelier. Un triptyque récent, achevé en 1614 pour la cathédrale de sa ville, a définitivement assis sa réputation. Il s’agit aussi d’une Descente de Croix, pendant d’un autre triptyque peint en 1610 pour la même cathédrale Notre-Dame d’Anvers, L’érection de la Croix, pour lequel Rubens fait preuve d’une grande originalité en montrant une scène inédite dans l’histoire de l’art.

Le première Déposition (le triptyque) a sans doute servi de modèle à la deuxième – cette dernière étant, autre grande originalité dont fait preuve Rubens, le premier retable composé d’un seul panneau. On y voit des compositions assez proches, centrées sur le corps et le linceul du Christ, un cercle grossier qui se déploierait en ellipse. Les diagonales, définies par le linceul et autour desquelles s’enroule l’ellipse, sont inversées. Le clair-obscur caravagesque, hérité de son voyage en Italie entre 1600 et 1608, plus présent dans le triptyque, se trouve adouci dans le tableau de Lille. Ce dernier apparaît moins ouvertement dramatique, bien qu’il montre, signes de la crudité baroque, le corps livide d’un cadavre et, au premier plan, les clous ensanglantés du supplice. Sans doute parce que la lumière artificielle, autre signe du baroque, y est moins violente, moins contrastée. Le tableau de Lille est un oxymore : un voluptueux déchaînement.

On y reconnaît Nicodème et Joseph d’Arimathie, tous deux membres du Sanhédrin (à la fois le tribunal et l’assemblée législative du peuple juif), deux notables devenus disciples de Jésus, détachant de la croix, avec l’aide d’un serviteur musclé, le corps du Christ que soutient Jean. Au pied de la croix se trouvent les trois Marie éplorées : la Vierge, Marie-Madeleine et Marie-Cléophas, personnage énigmatique en qui certains voient la propre sœur de la Vierge.

Enfin, tout en bas du tableau, la bassine de cuivre, la couronne d’épines, le périzonium tâché de sang, l’éponge et les clous forment une nature morte d’une grande délicatesse. Cette bassine achève (ou commence) l’ellipse qui passe par la robe violine de Marie-Madeleine, son bras, le torse de Jean, le linceul entourant le bassin du Christ, la main de Nicodème, le corps du serviteur, la traverse de la croix, ligne qui redescend selon la diagonale marquée par le bras de Joseph et le linceul déployé, diagonale s’achevant par le bas de l’échelle accolé à la bassine. Une merveille !

On peut aussi suivre la partition quasi musicale des mains et des figures, les courbes et les angles qu’elles décrivent, les suites d’arabesques, la splendeur du plissé des robes et des tuniques, la magnificence des couleurs, leur harmonie… Reste ce personnage étrange au second plan, descendant de l’échelle au sommet de laquelle est juché Joseph d’Arimathie (lequel, dans le triptyque d’Anvers, retient le linceul entre ses dents !), coloré de rouge par les derniers rayons d’un soleil tragique, et qui paraît s’être échappé d’un tableau de Delacroix…

Les jardins classique à la française:

Ce style de jardin domestique ordonne la nature selon les principes de la géométrie, de l’optique et de la perspective. Son organisation est fixée au milieu du 16ème siècle par Philibert de l’Orme, architecte français de la renaissance, qui, à son retour de Rome en 1536, réalise les jardins d’Anet. Jusque là les jardins français manquaient de proportion et étaient encore marqués par le modèle du jardin enclos médiéval. Cette tendance culminera plus tard, au 17ème, sous l’influence de Louis XIV qui créa les magnifiques parterres de Versailles.

Le jardin à la française, fort d’une ambition esthétique et symbolique, représente un désir de faire triompher l’ordre sur le désordre de la nature, du réfléchi sur le spontané. C’est l’art de corriger la nature pour y imposer une certaine rigueur entre autre par la symétrie. Ce jardin est dessiné comme un édifice, en prolongement de la demeure.

Le vocabulaire architectural utilisé dans la description:

On y parle de salles, de chambres ou de théâtres de verdure. On se déplace entre des murs de charmilles ou le long d’escaliers d’eau. On recouvre le sol de tapis de pelouse brodés de buis, les arbres sont taillés en rideau le long des allées. L’harmonie savamment calculée dans le dessin des parterres et l’emploi des surfaces d’eau sont les premiers exemples de ce qui constitue l’esprit du jardin classique. Ces éléments viennent s’intégrer aux compartiments de verdure qui sont constitués de broderie de buis taillés, de parterres et de bosquets. Les allées sont rythmées par des statues et des topiaires.

L’eau, omniprésente dans les jardins à la française:

L’eau est aussi très représentée dans ce style de jardin ; elle y reproduit les cristaux des lustres et les bassins donnent l’effet de miroirs par leur reflet.

Les jardins romantique à l’anglaise:

Le jardin à l’anglaise est en complète opposition au style de jardin à la française par son agencement et ses formes irrégulières. Il en prend le contre-pied, aussi bien esthétiquement que symboliquement, en se proclamant avant tout paysage et peinture. Par ce refus de la symétrie et donc des codes, il devint un symbole d’émancipation vis-à-vis de la monarchie et de ses représentants, notamment sous la Révolution française, alors que l’influence française prédominait jusque là. Une esthétique privilégiant la redécouverte de la nature sous son aspect sauvage et poétique fut alors la priorité des concepteurs de l’époque, l’objectif n’étant plus de contrôler la nature mais d’en jouir.

Ressemblance avec un tableau:

Il n’est donc pas surprenant que leurs concepteurs soient le plus souvent des peintres, comme William Kent qui en fut le précurseur. Tout comme dans un tableau, on recherche l’équilibre des volumes, la variété et l’harmonie des couleurs et des matières végétales avec des arbres rares aux feuillages colorés, des troncs torturés, pelouse, ruisseau, étang, prairie ou précipice. La perspective atmosphérique prime sur la perspective optique. Les imperfections de la nature y sont donc exploitées et non corrigées ; c’est la reconstitution d’un paysage sauvage voire anarchique à l’état naturel.

Tout un contraire des jardins classique:

On trouve dans ces jardins à l’anglaise une association de diverses espèces ornementales de formes et de couleurs variés, des arbustes, des fourrés, des rochers, des statues, des bancs. L’itinéraire n’est pas balisé : la promenade dans un jardin à l’anglaise laisse une grande part à la surprise et à la découverte. Pas d’allées rectilignes guidant les pas du promeneur mais plutôt une sorte « d’errance poétique ». Le jardin à l’anglaise est en somme une peinture vivante.

https://learningapps.org/display?v=p63sw6fsa18